"Relevo - Fase Ibiza".Têmpera s/ papel gessado e moldado em pedras
Ass. dat. 1961 inf. direito

"Nº 21 - série Cartografia, 1982".Serigrafia
Ass. inf. direito
Edição 17 de 50
Reproduzida no livro " Anna Bella Geiger Territórios Passagens Situações", pág. 128

"Pronto para Combate, 1971 ".Óleo s/ tela
Ass. inf. esquerdo

"Sem titulo, 1978".Óleo s/tela
Ass. e datado inf. esquerdo

"Marinha, 1970".Óleo s/ tela
Ass. inf. direito

"O tempo da Terra, 1978".Vinil s/ tela colado em eucatex
Ass. inf. direito e verso
Localizado Rio de Janeiro
Obra adquerida no ateliê da artista.

"Melania, déc. 80".Escultura em bronze patinado, base em granito preta, acompanha totem na cor preta.
Assinado
Obra reproduzida no livro do artista na pág. 227.




Esta obra explora a tridimensionalidade e a expressividade das formas humanas.
Carneiro, além de ser renomado leiloeiro e marchand, consolidou-se como escultor com uma produção que mescla técnicas clássicas com uma visão contemporânea, destacando-se pelo cuidado com os detalhes e o dinamismo das formas.

Embora tenha pausado sua produção artística em momentos de sua carreira, sua paixão pela escultura é evidente nesta peça, que se destaca pelo equilíbrio entre tradição e inovação. Carneiro também contribuiu significativamente para o mercado de arte no Brasil, fortalecendo o diálogo entre arte e público

"Penedo Pandêmico, 2021/2022".Óleo s/ tela
Ass. inf. direito e verso

"Francisco José Cunha Borges, nascido no Rio de Janeiro em 1957, é um renomado pintor, arquiteto e cenógrafo. Cursou arquitetura na Universidade Santa Úrsula e, posteriormente, estudou desenho e pintura na EAV/Parque Lage. Também se especializou em História da Arte e Arquitetura na PUC/RJ. Ganhou a Bolsa Ciudad de México em 1991 e se destacou em exposições coletivas, incluindo a Bienal de São Paulo e a Bienal de Cuba, além de ser um dos principais expoentes da mostra ""Como vai você, Geração 80?"". Desde 2002, leciona na EAV/Parque Lage e possui obras em coleções renomadas, como MAM e MAC.

A obra ""Penedo Pandêmico"" (2021/2022) reflete a linguagem distintiva de Cunha, caracterizada por uma forte conexão entre arquitetura e pintura. Com uma composição vibrante e elementos de paisagem rural, o óleo sobre tela dialoga com a sua formação e experiências. A peça revela um universo imaginativo, onde cores e formas se entrelaçam, demonstrando a capacidade do artista em capturar atmosferas complexas. "

"Sem título, 1989".Óleo s/ tela
Ass. verso

"Aluísio Carvão, nascido em Belém, Pará, em 1920, foi um artista multifacetado que atuou como pintor, escultor, ilustrador, cenógrafo e professor. Sua trajetória artística começou no Pará, onde se destacou como ilustrador e cenógrafo antes de se mudar para o Rio de Janeiro em 1949, após receber uma bolsa do Ministério da Educação e Cultura. Ao longo de sua carreira, Carvão evoluiu de paisagens inspiradas no impressionismo para uma exploração das formas geométricas e das potencialidades da cor, especialmente com sua adesão ao movimento neoconcreto e à participação no Grupo Frente.

A obra ""Sem título"" (1989) exemplifica a forte expressividade das cores que caracteriza a produção de Carvão, marcada por composições abstratas em tons pastéis, como azul e rosa. A partir da década de 1960, sua pesquisa se concentrou na cor como elemento essencial, levando à criação de obras que suspenderam a distinção entre forma e fundo, ressaltando a intensidade e saturação da cor. Seu estilo se tornou mais lírico e evocativo na década de 1970, alternando entre a abstração e a representação figurativa. Carvão também explorou uma rica linguagem visual que incorporava influências do grafismo marajoara e elementos de sua infância. Assim, ele se tornou uma figura central no cenário da arte concreta e neoconcreta brasileira, contribuindo de maneira significativa para a evolução da pintura no Brasil."

"Diálogo, 2021".Vinil s/ tela
Ass. inf. direito e verso
Localizado Rio de Janeiro

"Frutas, 2003".Acrílica s/ tela
Ass. inf. esquerdo, verso, datado e localizado São Paulo
Apresenta Certificado de Autenticidade emitido pelo filho Pedro Martins, responsável pela obra do artista.

Aldemir Martins deixou uma marca indelével na cena artística brasileira com sua produção figurativa única devido a repertório formal constantemente revisitado composto por símbolos que ecoam no imaginário nacional, como animais e personagens do cangaço.

Esta natureza-morta exemplifica a essência do artista com traços distintos e cores vibrantes. Aldemir Martins manteve um diálogo intrínseco com a cultura popular brasileira e seu legado transcende sua produção distintiva, deixando uma marca duradoura na arte brasileira ao conectar-se de maneira única e autêntica com as raízes culturais do país.

"Vaso de flores, 1996".Óleo s/ tela
Ass. inf. direito

"Vaso de flores" é um fascinante mergulho no universo artístico singular de Roberto Magalhães, onde a experimentação técnica e a inovação temática se destacam. Nascido no Rio de Janeiro em 1940, ele construiu um percurso artístico distinto, afastando-se de rótulos e movimentos específicos, embora sua obra seja por vezes associada a "experimentos surrealistas" próximos aos de Salvador Dalí, conforme observado por críticos.

A temática de sua obra revela uma fusão única de elementos humanos, figuras míticas e alegóricas em composições permeadas por um humor por vezes ácido. Em "Vaso de flores", Magalhães supera a representação convencional, incorporando elementos próprios da sua poética.

"Carnaval".Óleo s/ tela
Ass. inf. esquerdo


Fernando Clóvis Pereira, conhecido como Fernando P., nasceu em 1917 em São Luís, Maranhão, e se destacou no cenário artístico brasileiro como um dos principais ajudantes de Di Cavalcanti. Sua formação começou na Escola de Aprendizes Artífices e, após se mudar para o Rio de Janeiro em 1939, tornou-se discípulo de Santa Rosa, expandindo sua técnica e visão artística. Em 1953, foi premiado no Salão Nacional de Arte Moderna, o que o levou a Paris, onde aprofundou seus estudos na Academia André Lhote e na Académie Julian.

"Carnaval" revela a influência de sua experiência como assistente de Di Cavalcanti, com uma paleta rica e figuras dinâmicas que evocam a energia e a efervescência das celebrações populares. Para colecionadores, esta obra é mais do que uma representação estética; é um testemunho da habilidade de Fernando P. em capturar a alma do Brasil, reafirmando sua importância na arte moderna e na cultura brasileira.

"Pernas Para Cima (par)".Bronze polido múltiplo assinado de 1977

"Sem título".Óleo s/tela
Ass. inf. esquerdo e verso

Roberto Matta (1911-2002) foi um pintor e escultor chileno, considerado um dos principais representantes do surrealismo e um dos mais importantes artistas latino-americanos do século XX. Sua obra é conhecida por suas composições abstratas, surreais e futuristas, nas quais ele explorou a interseção entre a arte, a ciência e a filosofia.

Ao longo de sua carreira, Matta desenvolveu um estilo único que ficou conhecido como "inscapes" (paisagens interiores). Suas pinturas apresentam uma combinação de formas orgânicas e geométricas, linhas fluidas e cores vibrantes. Ele frequentemente usava tons de azul em suas obras, que evocam um ambiente onírico e misterioso.

Observadas no lote apresentado, as principais características do estilo de Matta são a combinação de elementos figurativos e abstratos, a sobreposição de camadas de tinta, o uso de linhas sinuosas e a criação de espaços tridimensionais imaginários. Suas obras muitas vezes retratam paisagens imaginárias, figuras distorcidas e espaços arquitetônicos não convencionais, transmitindo uma sensação de mistério e profundidade.

No mercado de arte internacional, Matta é amplamente valorizado e suas obras são muito procuradas por colecionadores e instituições, integrando coleções em todo o mundo, incluindo o Museu de Arte Moderna (MoMA) em Nova York, o Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofía em Madri, o Museu de Arte Moderna de São Francisco, entre outros.

Com sua abordagem visionária e suas obras impactantes, Roberto Matta deixou um legado duradouro no mundo da arte, desafiando convenções e explorando novas possibilidades estéticas. Sua valorização no mercado de arte e sua presença em coleções importantes são um reflexo do impacto e da relevância contínuos de seu trabalho até os dias de hoje. Sua contribuição para o surrealismo e sua inovação artística lhe renderam um lugar de destaque na história da arte latino-americana e internacional.

"Paisagem Longínqua, 1962".Óleo s/tela
Ass. inf. direito e verso e datado




A produção abstrata de Antônio Bandeira (1922-1967) remonta à década de 1940, quando, ainda em Paris em uma temporada de estudos na École Nationale Supérieure des Beaux-Arts e na Académie de La Grande Chaumière, aproximou-se das vanguardas europeias e passou a incorporar técnicas do cubismo e do fauvismo em seus trabalhos. Sua relação com o alemão Wols (1913 - 1951) e com Camille Bryen (1907 - 1977) influenciam a adoção de uma pintura mais gestual, abstrata e aberta a sugestões ligadas ao automatismo surrealista. Apesar de ainda preservar a figura neste período, já é de maneira sugerida, marcada pela interação de elementos livres como manchas e marcas de pincel. Em 1948, Bandeira participa da mostra La Rose des Vents, na Galérie des Deux Ilés, que marca sua adesão ao abstracionismo informal principalmente visto nos trabalhos em guache e nanquim.

Na pintura, o trabalho Paysage Lointain de 1949, no qual o artista incorpora manchas, riscos e formas coloridas sem submetê-los a um desenho prévio, é dos primeiros exemplos da sua adesão ao abstracionismo em telas. De volta ao Brasil, mudou-se para Fortaleza em 1952, onde Bandeira iniciou uma nova fase de sua pintura caracterizada pela radicalização dos princípios da abstração informal. Nessas telas, vê-se a incorporação de técnicas como os gotejamentos e respingos da tinta que produzem composições livres de linhas harmonizado por formas coloridas, conforme observamos no lote apresentado.

Este é seu período de maior prestígio: recebeu o prêmio na 2ª Bienal Internacional de São Paulo (1953), teve exposições organizadas em Paris, Londres e Nova York e realizou um painel para o Palais des Beaux-Arts de Bruxelas (1958). Bandeira permanece na França até 1959, quando retorna para uma temporada bem sucedida de exposições no Brasil, entre elas a grande individual no Museu de Arte Moderna da Bahia - MAM/BA em 1960 e a 5ª e a 6ª Bienal Internacional de São Paulo. O quadro apresentado é de um período em que sua produção já era mais escassa e que perdurou até sua morte, em 1967.

"Figura inclinada ao luar, ( Série As Erradias), 1949".Óleo s/ tela
Ass. inf. esquerdo e verso e datado
Ex-coleção Felicia Leiner


Lasar Segall (1891-1957) foi um destacado pintor e escultor lituano-brasileiro, considerado um dos mais importantes artistas modernistas do Brasil. Sua obra é caracterizada por uma abordagem expressiva e emocional, explorando temas como o sofrimento humano, a solidão e a angústia.

"Figura inclinada ao luar" faz parte da série "As Erradias" de Segall, criada durante sua fase madura como artista. Nessa pintura, Segall retrata uma figura humana inclinada, iluminada pela luz da lua. A cena transmite uma sensação de melancolia e introspecção, características recorrentes em suas obras. O uso do óleo sobre tela permite que Segall crie uma atmosfera densa e sombria, com pinceladas expressivas e uma paleta de cores escuras e terrosas. A figura inclinada é representada de forma estilizada, enfatizando sua expressividade emocional e sugerindo uma introspecção profunda.

A série "As Erradias" de Segall reflete sua preocupação com as questões existenciais e a condição humana, abordando temas como o exílio, a dor e a alienação. Essa série é considerada uma das mais marcantes de sua carreira e demonstra a influência do expressionismo em seu estilo. A série é resultado da aproximação entre o rumo incerto dos emigrantes e a marginalidade das prostitutas, que são retratadas em cenas cotidianas, nas portas e janelas do casario, com seus clientes, nuas e seminuas. Contagiando a atmosfera de sensualidade há também a marca da dor, do sofrimento, da exclusão social.

"Evaterra, 1973".Vinil s/tela colado em eucatex
Ass. inf. esquerdo e verso
Localizado Rio de Janeiro

Pietrina Checcacci é uma pintora, gravurista e escultora reconhecida por sua técnica refinada e temática que aborda a natureza, a figura humana e a paisagem.
Através do uso de cores suaves e harmoniosas, a artista cria uma atmosfera serena e calma em suas pinturas, que são frequentemente descritas como delicadas, poéticas e contemplativas.


As representações de figuras humanas na obra de Checcacci são caracterizadas por uma atenção meticulosa aos detalhes e uma habilidade notável na criação de texturas e formas. Suas obras são caracterizadas por uma habilidade notável na captura da essência da figura humana, que busca integrar com a natureza, criando uma sensação de harmonia e equilíbrio.

"“CASAL CAVALGANDO” ".Guache s/ cartão
Ass. Inf. direito

"Faith, 2020".Acríilica s/ tela
Ass. verso
Localizada Lisboa

"Sem titulo, 1974".Serigrafia
Ass. Inf. direito
Edição 149 de 150

"Paisagem, 1940".Óleo s/ eucatex
Ass. inf. esquerdo e datado


O lote encontra-se em nosso espaço para apreciação através de prévio agendamento.

"O Grito, Edvard Much - Série pigmentos, 2006".Fotografia impressa em C-print
Edição 02 de 04 (Small)
Ass. no lable
Cachê Galeria Xippas no verso



Na série Pigmentos, Vik Muniz reedita a técnica utilizada em trabalhos anteriores, como "crianças de açúcar" e "imagens de terra", nas quais usou um material granular para execução. Desta vez, foram empregados pigmentos em pó colorido a fim de reproduzir obras fundamentais da História da Arte mundial. O artista dispõe meticulosamente os resíduos sobre uma superfície plana, como uma placa de vidro, criando uma representação efêmera do quadro que é fotografada.

Em "O Grito", Muniz explora a relação entre a reprodução e a perda de detalhes em suas obras, bem como a ideia de como a percepção de uma imagem pode ser influenciada pelo material usado para criá-la. "O Grito" de Muniz é uma reinvenção da obra original de Munch, desafiando a noção tradicional de uma obra de arte como um objeto duradouro e desafiando os limites do que pode ser considerado arte.

""Poema para quem precisa, 2007".Acrílica s/ tela
Ass. verso

"Pernas - série Adão e Eva, 2019".Escultura de bronze polido
Ass. na peça
Edição de 09