Óleo s/tela
Ass. centro


"Pode-se dizer que Guignard pintava o visível como se imerso em estado de sonho. Todo o seu universo etéreo de paisagens, retratos, auto-retratos, cenas com personagens figurados à maneira de uma pose fotográfica, flores, naturezas-mortas, temas religiosos e outros, o revela.
(Walter Zanini)

Os retratos, considerados por alguns críticos como a vertente mais fértil de sua obra, constituem a maior parte de sua produção e trazem pessoas de sua família, amigos ou filhos de amigos, intelectuais, artistas e auto-retratos. Nesses não deixa de fazer menção ao seu defeito congênito, o lábio leporino, também presente em representações de Cristo e outras figuras religiosas.

Em sua pintura o decorativo está presente nos retratos, nos arranjos florais, nas estampas das roupas e em toda ornamentação em torno de seus modelos femininos, além de tetos, painéis, móveis e objetos que pintou.
Por dedicar-se a praticamente todos os gêneros da pintura - retrato, auto-retrato, paisagem, natureza-morta, flor, pintura de gênero e pintura religiosa - costuma, em muitas obras, tratar de dois ou mais gêneros na mesma tela, como em suas naturezas-mortas, de número reduzido e quase sempre de caráter fantástico, que trazem uma paisagem ao fundo.

Óleo s/ cartão s/ placa
Ass. Inf. esquerdo
Obra registrada no livro do artista "Pancetti o pintor marinheiro" ,número 280 da parte de Paisagens, na página 206.
Pancetti morou na Bahia em Itapuã e em uma pensão na Ladeira da Barra, essa obra é a vista do quarto dele que dava para a Bahia de Todos os Santos.

As marinhas são a face mais conhecida de sua produção, nelas se refletem a experiência de marinheiro e o amor pelos diversos recantos do litoral: Itanhaém, Mangaratiba, Cabo Frio e Arraial do Cabo, Bahia, onde chega a fixar residência. Nesse local, sua obra se modifica, a paleta adquire cores quentes e fortes. Suas marinhas tornam-se plenas de luz.
Tudo se inicia quando Pancetti se a lista na marinha em 1922, la, viaja ao mundo como marinheiro e se sente satisfeito com a carreira que abraçara. A bordo executa serviços de pintura. Como pintor da Companhia de Praticantes Especialistas de Convês, chega a ter seu nome ligado a uma tonalidade de verde que costumava usar na pintura de cascos e paredes de navio, o “ verde pancetti”.

Pouco depois realizava suas primeiras paisagens, ( aprox. 1925), sendo fio condutor do passo que iria definir sua vida como pintor. “ Certa vez, não sei como tive vontade de pintar aquilo que meus olhos viram na louca carreira do mar…”

Desde então suas horas livres eram dedicadas a pintura, as vezes em caixas de fósforos ou pequenos cartões, por vezes trocados por cigarros ou presenteados a amigos que sempre o estimularam. Após boa repercussão de um desenho ser publicado em A Noite, (1932) o escultor Paulo Mazzuchelli o aconselha a integrar o Núcleo Bernadelli, ateliê livre que funcionava nos porões da Escola Nacional de Belas Artes Integrado (1933), onde passa a receber conselhos de pintores como Edson Motta, Rescala, Malagoli Bustamante Sá, Martinho de Haro, Joaquim Tenreiro, Milton Dacosta, Takaoka, Sigaud, Bruno Lechowsky, entre outros.

Em 1935 teve sua primeira obra vendida. Ao longo se sua carreira, ganhou muitas medalhas e prêmios de viagem, exposições em importantes instituições, como MAM, participação na I Bienal de SP, sendo reconhecido como um dos mais notáveis artistas do modernismo brasileiro.

... “ Pancetti irá permanecer por toda sua vida, fiel, a uma linguagem mais clássica, limitado pela referência a natureza que não busca reinventar, mas retratar.... Pancetti é um grande solitário da pintura brasileira, romântico e expressionista, preso indelevelmente a referência natural, mas ainda assim evocando a natureza em esquemas tãp puros, tão despojados, que quase tocam a abstração."

Trechos e conteúdo extraidos do livro “ Pancetti, Pintor Marinheiro”

Óleo s/tela
Ass. verso
Procedência: Mauricio Pontual Galeria de Arte
Ateliê do artista
Localizado Paris.

"(...) Ao pintar uma figura, Juarez Machado o faz pelo processo de introduzir o espectador no ambiente e no tempo da personagem - isto é, cria um cenário que evidencia a sua maneira de ser e estar - iniciando-nos nos seus mistérios. (Adalice Araújo)

A arte de Juarez, com seus traços únicos e cores inconfundíveis, é fonte de referência e inspiração para novas produções em outras linguagens artísticas como espetáculos de dança, de música e até mesmo no cinema. Reconhecidamente um multi-artista, Juarez além de pintor, era cenógrafo, decorador, escultor, desenhista, jornalista, ator, escritor, mímico, caricaturista, ilustrador e cartunista.

Por mais de vinte anos trabalhou na Rede Globo. Integrou os núcleos de criação e de humor ao lado de Max Nunes, Chico Anysio, Bojarlo e Jô Soares. Foi responsável por diversas vinhetas, aberturas e chamadas dos programas, também por inúmeros cenários e figurinos, dentre eles, os humorísticos “Faça Humor não Faça Guerra” e “Balança, mas não cai” e o infantil “Balão Mágico”. Também trabalhou na produção de videoclipes e musicais de artistas como Elis Regina, Roberto Carlos, Raul Seixas, Emilio Santiago, entre outros.

Juarez Machado saiu de casa, Joinville - Santa Catarina, para se tornar cidadão do mundo. Hoje, é reconhecido como um dos mais importantes e influentes artistas brasileiros - suas obras podem ser encontradas em museus, galerias, em coleções particulares, em espaços públicos e privados.

Desenho a grafite s/papel
Ass. Inf. direito

" Em tudo, o desenho de Portinari transmutava-se em inequívoca solução linear básica de qualquer problema formal; em tudo a marca soberana e legítima singularidade, formativa de estruturas factuais da idéia, do pensamento, matéria configurada em sistemas de tensões e distensões, de equilíbrio mediterrâneos e barrocos liberdades"

Jayme Maurício

Acrílica s/ tela
Ass. inferior direito
Rio, 1989
Reproduzio no livro Glauco Rodrigues - Crônicas anacrônicas e sempre atuais do Brasil, pág.137

Óleo s/ tela
Ass.no verso
Localizado Roma
Reproduzido no livro do artista " Glauco Rodrigues Crônicas anacrónicas, e sempre atuais do Brasil" na página de cronologia.

" Glauco é precursor, um artista cuja obra antecipa estratégias anotadas pela arte contemporânea..."
( Nicolas Bourriaud - crítico de arte )

É importante ressaltar que Glauco Rodrigues tem despertado e sustentado com mérito um espaço recentemente lhe dado como nunca antes na História da Arte no Brasil. Considerado e aclamado inclusive pela critica internacional, deixou uma obra de cunho essencialmente brasileiro, alegórica, bem humorada, política, sarcástica , colorida, repleta de metáforas e signos da nossa cultura, que deixa para a sociedade brasileira uma produção sempre atual.

O início dos anos 60 era de turbulência política no Brasil, e o convite feito pelo embaixador do Brasil em Roma para trabalhar na Itália foi irrecusável. Com sua esposa Norma, partiu para a capital italiana com o desejo de não mais voltar, fixando residência de 1962 a 1965. Nesse período participou de distintas mostras na Europa, como a de 1962 no Museu Kasseler Kunstverein na Alemanha e a importante participação na Bienal de Veneza em 1964 ao lado dos artistas: Palatnik, Krajcberg, Volpi, Weissman, Maria Bonomi, Tarsila do Amaral e Almir Mavignier.

Nesse período romano, Glauco produziu trabalhos abstrato-informais. No ano em que executou essa obra, o artista retornou ao Brasil, mas antes realiza outra individual em Roma e ao chegar, uma mostra no Rio de Janeiro. Após esse período em Roma, Glauco realiza experiências com novos materiais e múltiplos a partir de ideias iniciadas em Roma. Foi nesse retorno que Glauco redescobre o Brasil e retoma a fase figurativa, utilizando metáforas a fim de passar de forma inteligente suas percepções a respeito do cenário e história do Brasil.

Óleo s/tela
Ass. Inf. direito e verso
Localizado Santa Teresa , Rio.

Obra participou do V Salão Municipal de Belas Artes.


“A produção de Djanira, como de outros artistas seus contemporâneos, estava focada na representação da cultura brasileira, que não era tão exaltada. A obra de Djanira estava conectada a isso. Tem outras pinturas dela destacando os orixás. Era uma busca, queria estabelecer um diálogo com a cultura afro-brasileira."
(Nelson Fernando Inocêncio da Silva)

Professor de artes visuais da UnB (Universidade de Brasília), doutor em artes e membro do núcleo de estudos afro-brasileiros da universidade, Nelson Fernando Inocêncio da Silva, disse que é importante inserir a obra de Djanira no movimento modernista, que marcou a cultura brasileira na primeira metade do século passado.

Era uma busca, queria estabelecer um diálogo com a cultura afro-brasileira. Isso fazia sentido porque o movimento modernista brasileiro desde a Semana de 1922 queria romper com os padrões europeus. Era uma forma de exaltar as referências locais, não mais ficar numa postura subserviente do ponto de vista estético. Daí o modernismo vai exaltar figuras como o ‘mulato’ – colocando muitas aspas nesse termo -, o negro, o indígena.”

Óleo s/ tela
Ass. Inf. esquerdo e verso
Localizado Campos de Jordão, São Paulo
Hotel Toriba


“Sendo uma das grandes pintoras de nossa terra, ela é mais do que isso, é a própria terra, o chão onde crescem as plantações, o terreiro da macumba, as máquinas de fiação, o homem resistindo à miséria. Cada uma de suas telas é um pouco do Brasil”. (Jorge Amado)

“Dja”, como era chamada pelos amigos, ou “Nira”, como falava seu papagaio, foi uma das maiores pintoras brasileiras. Djanira da Motta e Silva nasceu em Avaré (SP) em 1914 e teve uma infância turbulenta. Aos 17 anos, resolveu ir para São Paulo. Na capital, foi vendedora, cozinheira, costureira e até chapeleira.

Aos 25 anos, Djanira mudou-se para o Rio de Janeiro, ela voltou a costurar, abriu uma pensão no bairro de Santa Teresa, e nas paredes de lá exibia os desenhos que fazia. Ao encomendar um vestido, uma cliente se surpreendeu com aqueles trabalhos. No dia seguinte, levou um amigo pintor – o romeno Emeric Marcier – para ver os desenhos. Ele também adorou o que viu e fez um acordo com Djanira: ele lhe daria aulas de pintura em troca de hospedagem na pensão. E foi assim que Djanira ficou íntima das tintas, telas e pincéis.

A artista viajou pelo País para pesquisar e se inspirar sobre seus temas favoritos: o cotidiano dos trabalhadores, festas populares e cenas religiosas.
Além das telas, Djanira trabalhou com xilogravura, gravura em metal, cartazes e cenários. Também fez desenhos para tapeçaria e azulejaria. Ela produziu intensamente ao longo de sua vida, deixando centenas de obras – boa parte delas abrigadas no Museu Nacional de Belas-Artes.

Têmpera s/ tela
Ass. verso
Possui certificado da esposa do artista, Dulce Maria Azeredo Holzmeister.

"Dentre os neoconcretistas destacou-se pelo radicalismo quanto às formas e pela sua opção por monocromias, algumas vezes trabalhando somente com o branco. O período neoconcreto coincide com o momento de maior síntese em sua obra. Por volta de 1966 observou-se um parênteses em sua postura ascética, quando passou a trabalhar a cor e a textura de maneira mais lírica, período que coincide com seu trabalho conjunto com Volpi nos painéis da Navegação Costeira e no Palácio dos Arcos. Foi com Volpi que aprendeu a técnica da têmpera e tomou gosto pelas possibilidades oferecidas por esse meio de expressão".

Maria Izabel Branco Ribeiro.
Em busca da essência: elementos de redução na arte brasileira. São Paulo: Fundação Bienal de São Paulo, 1987

Técnica mista s/ madeira
Ass. verso
Apresenta cache da Silvia Cintra Galeria de Arte.

"Podemos notar em suas pinturas citações explícitas às correntes históricas informais, ao mesmo tempo em que se faz presente configurações geométricas próprias das vertentes racionais construtivistas."
(Art Soul)

Um dos elementos que funda a trajetória do artista Antonio Bokel é a rua. Pode-se dizer que a estética das intervenções gráficas urbanas é uma constante em seu percurso até aqui. A pesquisa por materiais alternativos, outra característica recorrente, revela a inquietude estética do artista indicado ao Prêmio Pipa em 2015 e 2019.

Para Ana Carolina Ralston, “a dualidade disruptiva da obra de Bokel ressalta a intersecção desse conturbado território que busca habitar: as metrópoles contemporâneas, a linguagem da arte de rua, a tecnologia, a mistura de traços e gestos que vai de encontro a referências naïf ligadas à essência humana e à vida simples e autossustentável.

Acrílico s/tela com colagem em madeira
Ass. verso
Obra foi verificada com a filha do artista, responsável pelo Instituto Gerchman, que reconheceu a obra como autentica

Serigrafia
Ass. Inf. Esquerdo
Edição 57 de 125

Importante obra do leilão, pois essa série é referência no mundo inteiro quando o assunto é teoria da cor.

Homenagem ao quadrado é uma serie que foi produzida pelo artista de 1956 a 1976, ou seja, até sua morte. Todas as obras foram realizadas são pinturas sobre madeira ou serigrafias.

O quadrado, forma que não encontramos na natureza, portanto, criada pelo homem, representa a racionalidade humana fazendo uma associação a dedicação do artista em seus estudos realizados de forma muito racional e disciplinada. Os quadrados são assim apresentados sobrepostos e com variantes de cores, por vezes próximas como a serigrafia que trazermos para esse leilão, e por vezes não tão próximas. Essas experiências originaram as teorias que consagraram o artista, deixando um legado importante e uma das mais importantes referência sobre teorias da cor, já realizadas até os dias de hoje. Sobre essas teorias ele publicou um livro em 1963.

No Brasil, o artista José Maria Dias da Cruz avançou os passos dados por Albers. São artistas que desdobram de forma científica o comportamento e percepção da cor no campo material e fisiológico do nosso universo.

O ex-aluno e professor da escola moderna Bauhaus se exilou nos USA após a primeira guerra mundial e no fim de sua vida era diretor do departamento de design da Yale.